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La musique disco prend ses racines dans la musique soul de la fin des années 60 et dans ce processus d’évolution un nombre important d’artistes du genre participent. La musique disco est un genre de musique de danse dérivé du R&B (rhythm & blues) qui mélange des éléments de genres antérieurs, comme le funk et la soul, avec des touches latines dans de nombreux cas, et qui est devenu populaire dans les salles de danse (discothèques) à la fin des années 70.

RHYTHME

La musique pop a dominé la scène musicale jusqu’au début des années 1980. Les chansons disco étaient généralement structurées sur une signature temporelle 4/4 répétitive, marquée par une figure de Charles, de huit ou seize temps, avec un chapeau ouvert dans les temps libres, et une ligne prédominante de basse syncopée, avec des voix fortement réverbérantes. L’utilisation de charleston ouvert sur un rythme 4/4 trouve clairement son origine dans le morceau « The Love i Lost », produit par Harold Melvin & The Blue Notes en 1972, une production de Gamble and Huff dans laquelle Earl Young était le batteur de session, également membre du projet MFSB.1 Ils sont facilement reconnaissables pour leurs rythmes répétitifs (généralement 110-136 bpms par minute) et accrocheurs, souvent inspirés de rythmes latins tels que le merengue, la rumba ou la samba.

HARMONIES ET ARRANGEMENTS

Le son orchestral, généralement connu sous le nom de son disco, était basé sur la présence de sections de cordes (violons, violoncelles) et de cuivres, qui développaient des phrases linéaires à l’unisson, derrière la base instrumentale formée par le piano électrique et la guitare électrique (avec des touches clairement tirées du funk). Contrairement au rock, la guitare solo est inhabituelle

Il en résulte une sorte de mur du son, lumineux, où les groupes orchestraux jouent les rôles de solistes et avec une harmonie de fond, basée sur une progression d’accords bien définie (mineur/septième/mineur), avec une prédominance d’accords de septième majeure. Ils ont utilisé les sons grotesques de l’harmonie pure. Dans cette musique, ils ont parfois ajouté des contrebasses, des cymbales et des saxophones, mais seulement s’ils allaient se produire dans des lieux qui n’étaient pas des discothèques.

CHAMP D’APPLICATION TEMPORAIRE

La musique disco a sa plus grande projection dans la décennie entre 1973 et 1983 environ, avec un renouveau dans les années 1990.

C’est précisément au milieu des années 70 que les artistes disco les plus caractéristiques, tels que MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC et The Sunshine Band, Village People, Boney M orABBA, ont connu leurs plus grands succès. De nombreux autres artistes, qui ne travaillaient normalement pas dans le genre, ont enregistré des chansons disco au sommet de leur popularité, comme Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think I’m sexy ?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) et Blondie (Heart Of Glass).

Plusieurs films, tels que Saturday Night Fever et It’s Friday at Last, ont contribué à l’essor de la musique disco dans le public. Bien que la popularité de la musique disco ait décliné au début des années 80, elle a tout de même eu une influence importante sur le développement de la musique de danse électronique dans les années 80 et 90, ainsi que dans des genres tels que la House ou la Techno.

ORIGINES

La musique disco prend ses racines dans la soul music de la fin des années 60 et dans ce processus d’évolution participent un nombre important d’artistes du genre, qui apportent progressivement les éléments qui finiront par définir la musique disco.

Barry White est l’un de ces liens et le premier à souligner le rôle du rythme par opposition aux mélodies et aux arrangements orchestraux. Cependant, c’est peut-être le thème de Jerry Butler, Only the Strong Survive (1969), le premier exemple d’une combinaison des éléments qui définiraient la musique disco. Cette chanson réunit les sons du « Sound of Philadelphia » et de New York, ainsi que les évolutions du son Motown.

Le Sound of Philadelphia, précisément, se caractérise par son mélange de percussions hypnotiques et d’arrangements de cordes et sa marque est clairement visible dans des chansons comme Soul Makossa (1972), de Manu Dibango, l’un des premiers grands succès disco. Cependant, le terme disco n’a pas été utilisé jusqu’à ce que le critique Vince Aletti l’inclue dans le magazine Rolling Stone, dans son article Discotheque Rock ’72 : Paaaarty !

 

Les cinq Jackson

Si chaque musique devait être identifiée à un lieu, le fort de la musique disco serait sans aucun doute la célèbre discothèque new-yorkaise Studio 54 où les djs, dans le but de prolonger le plaisir, et en utilisant deux platines avec la même chanson, ont réussi à allonger considérablement la durée des tubes. Cela a donné naissance aux versions 12 pouces, où les gens étaient invités à danser et à se déplacer en appréciant la musique, selon le terme qui définit le moment : le Boogie.

Premiers succès dans les hit-parades

La chanson Rock The Boat de la société californienne Hues Corporation (1974) a été numéro 1 des charts de singles et s’est vendue à plus de 2 millions d’exemplaires, devenant ainsi le pionnier des plus grands succès de la musique disco.

D’autres chansons telles que Love’s Theme de Barry White & Love Unlimited Orchestra ont également obtenu ce statut privilégié au début de 1974. Cette même année, Gloria Gaynor sort son premier album vinyle en format mixte, qui atteint la première place des charts, grâce au fait qu’il inclut une version d’un titre des Jackson 5, Never Can Say Goodbye, qui devient un paradigme du genre.

Angel Carmona l’avance dans le prologue et, plus tard, l’auteur le décompose dans un de ses chapitres : le 12 juillet 1979, des milliers d’albums disco ont été brûlés dans le stade de base-ball de Chicago. Bien que ce soit un stratagème pour obtenir un match historique complet de l’équipe des White Sox de Chicago (dont l’entrée était généralement mauvaise lors de leurs affrontements), puisque quiconque avait un disque à brûler payait un montant symbolique pour accéder aux lieux, la vérité est que les fans aimaient brûler ces vinyles au cri de « Le disco, ça craint ! (La musique disco, c’est nul !)

Je ne me souviens d’aucun autre disque brûlé, à part celui que les Beatles ont subi 13 ans auparavant, après que John Lennon ait dit qu’ils étaient plus connus que Jésus-Christ. Cependant, la différence est remarquable : si dans le cas de Liverpool les raisons étaient la sauvegarde de certains prétendus principes moraux et religieux, dans le cas de Chicago ils essayaient simplement de stigmatiser la musique disco encore plus qu’elle ne l’était déjà.

Luis Lapuente le rappelle dans le premier chapitre de ce livre, peut-être le plus précieux car il condense admirablement l’histoire de ce style en 50 pages : S’il est un genre noir stigmatisé, méprisé jusqu’à la nausée par les amateurs de haute culture, c’est bien celui de la musique disco, conçu en son temps, mutatis mutanti, dans les mêmes cénacles qui ont donné naissance au jazz, au blues et à la soul, dont il se considère l’héritier direct.

Au moment même où le genre se consolidait, certains groupes extérieurs au genre se sont lancés dans la musique disco, assimilant des éléments des sons de New York et de Philadelphie, et ajoutant également des touches latines ; par exemple, le Salsoul Orchestra, dirigé par Vincent Montana Jr. Même certains grands groupes de rock ont publié des chansons aux influences clairement disco : Miss you des Rolling Stones, I was made for lovin’you de Kiss, etc. Les grandes usines d’Hollywood, comme Disney, ont également été influencées par le genre. Les études Disney, a publié, en 1979, un LP intitulé Mickey Mouse Disco avec quelques morceaux qui sont venus à être très connus, comme Macho Duck (Duck Macho, en espagnol) et Disco Mickey Mouse (avec des versions en anglais et en espagnol). L’album a été publié dans les deux langues et a connu un succès acceptable, constituant une approche enfantine de la musique disco. De même, le film Sesame Street Fever a été publié avec les personnages de Sesame Street, qui jouait également de la musique disco pour les familles et où Robin Gibb des Bee Gees a également collaboré.

Tous ceux qui l’ont vécu en son temps le savent bien, et aucun d’entre nous n’est à l’abri du péché : la musique disco était ignorée, méprisée et sous-estimée, une situation qui n’a pas beaucoup changé au fil des ans. C’est curieux car beaucoup de grands noms de la musique rock de ces années-là ont succombé à son charme. Ainsi, je peux bientôt penser à des incursions directes ou tangentielles dans le genre de Paul McCartney, John Lennon, The Rolling Stones, Elvis Presley, Chicago, Alan Parsons Project, Lou Reed, Boz Scaggs, Rod Stewart, The Clash, David Bowie, Electric Light Orchestra, Kiss, Elton John, Mike Oldfield, Joe Cocker, Pink Floyd, The Beach Boys, Eric Clatpon, Bruce Springsteen, Grateful Dead, Blondie, Carole King, J. Geils Band, The Kinks, Steve Miller Band, Roxy Music, Queen, Frank Zappa, Neil Young, Roy Orbison, Doobie Brothers, Robert Palmer, Cliff Richard, Steely Dan

Et ce n’est pas tout. Comme Lapuente l’affirme à juste titre, Brian Eno, l’un des esprits les plus agités et les plus visionnaires de la musique de ces cinq dernières décennies, a déclaré à David Bowie en 1977 que I Feel Love »de Donna Summer anticipait la musique du futur.

Alors qu’une grande partie des données se trouve sur le web, Lapuente choisit dans son travail d’effacer son histoire des noms les plus importants, en indiquant une discographie choisie de chacun d’entre eux, des labels qui l’ont accueilli, des albums fondamentaux (niant la croyance selon laquelle la musique disco s’est développée en singles et maxi-singles), des chansons les plus importantes et de certaines qui l’ont devancé dans le temps. En outre – et c’est là que réside une grande partie du mérite, contrairement aux très rares œuvres sur papier au niveau international liées à ce sujet malgré ses ventes record de plusieurs millions de dollars.

Il était temps que quelqu’un revendique le rôle principal de la musique disco dans l’histoire de la musique populaire du XXe siècle. De toute évidence, le plus grand expert de la soul et de la musique noire du pays était la meilleure personne pour le faire, et cela n’a pas pris beaucoup de temps : À l’occasion du 40e anniversaire du deuxième été de l’amour, Lapuente trace quelques traits communs avec le glamour, assure qu’il avait une charge anti-système bien plus importante que celle attribuée au punk et rappelle sa vocation de service public, parfaitement exprimée dans les mots qu’il récupère de la tête du label Casablanca.

Je pense qu’on va mettre une pause et s’arrêter ici. Si voulez en savoir plus, restez connecter.

Source : https://www.lebaroque.com/club/

 

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